Fireworks

Otimiza imagem e cria interfaces para a web. Ele combina o desenho vetorial e imagens bitmap, a aplicação de defeitos, a otimização de imagens e interfaces sem a necessidade de outro aplicativo. Ele gera páginas em HTML com código Javascript e possibilita a visualização da interface visual. Dá para criar imagens incorporando elementos bitmap e vetoriais, criar botões, acionar efeitos de rollover e criar animação no formato GIF.

Gráficos Vetoriais : Processam imagem usando linhas e curvas, chamadas vetores. O gráfico vetorial modifica as propriedades das linhas e das curvas que descrevem a forma. Os gráficos vetoriais independem da resolução, pode-se mover, redimensionar, mudar a forma ou alterar a cor de um gráfico vetorial.

Gráficos de bitmap: são compostos por pontos denominados pixels, organizados em uma grade. A tela do computador é uma grande grade de pixels. O local e o valor de cada pixel na grade determinam a imagem. Quando edita um gráfico de bitmap, o usuário modifica pixels, em vez de linhas e curvas. Os gráficos de bitmap independem da resolução. Na ampliação ele dá uma aparencia desigual nas bordas.
Formatos de arquivos na WEB: GIF, JPEG, ATIFF,AL, PNG, PSD

Cores na WEB: fundamental para transmissão de mensagens visuais, emoções e apelos comerciais. A cores são criadas a partir do Vermelho, do Verde e do Azul.

Bit: menor elemento da memória do computador.
Bit depth é o número de níveis de RGB acessíveis. Um bit é capaz de mostrar duas cores, uma na cor ligada e uma na cor desligada. O número de cor aumenta exponencialmente.
32 bits de cor, na prática, representam milhões de cores, que é o que o ser humano pode ver.
O bit está diretamente relacionado a memória do computador, logo, quanto maior a faixa de cor, mais memória é consumida, memória da placa de vídeo.

Cores Hexadecimais- A cores são definidas em valores hexadecimais. Em HTML, a cor RGB muda para hexadecimal. Ele é derivado de uma vase de cálculo 16. Valores RGB são expressos em hexadecimais com um conjunto de tres números de dois dígitos, com cada um dos três valores correspondendo a 256 níveis de vermelho, verde e azul. Os valores do hexadecimal vão de 0 até F que representa 15.

A paleta de 126 cores para Web tem apenas 6 valores para red, 6 para green e 6 para blue, somando assim o total de 261 variações de cores. a conversão dos valores de RGB para hexadecimal é respectivamente 00, 33, 66, 99, CC e FF, que são as paletas segura ou protegida.
Essa paleta segura é mais indicada para ser usada em imagens de cores chapadas, ou seja, imagens que não tenham texturas e degrades. A estas imagens a melhor forma de exportar é utilizat o formato gif. A imagens fotográficas ou com texturas muito complexas são exportadas co uma paleta de 24 bits e normalmente usam o formato JPG.

como eu vou me reposicionar no mercado

Seria feito um projeto para expandir o movimento de uma loja de material elétrico.
O público seria de pessoas adultas,de 18 anos para cima, mais homem do que mulher.
Normalmente adultos que ja têm sua casa ou está construindo, que não não moram mais com os pais, porque os pais que compram esse tipo de material.
Material elétrico é comprado por pobre, rico, pessoas jurídicas. É um material que todos precisam.
Teria um setor de atendimento ao cliente. Ele poderia ter explicações dos produtos, como potência, bitola de fio, orientações em geral, fazer as trocas das mercadorias, etc.
O atendimento seria feito com pessoas especializadas, que entendem de instalação elétrica, o que normalmente não se tem nesse tipo de loja.
A loja seria reestruturada no visual, tanto físico quanto o virtual. Seriam colocadas mais
gôndolas , seriam criados displays com amostras de mercadorias. A iluminação seria redobrada para se ter uma claridade boa.
Seria feita uma loja virtual, com todos produtos para compras on line. Dependendo do valor e da localidade o frete seria gratuito
Seriam colocados promoções em jornais, revistas relacionadas com material elétrico.
Colocar anúncios em hot sites, google, buscapé, etc.
Vou oferecer estacionamento por ½ hora gratuito.

Trabalho de marketing

Marketing
Não se tem um termo exato no português para a palavra marketing, então ele foi aportuguesado com um significado de estudo do mercado. Um mercado que não é estático, composto de consumidores, concorrentes,fatores econômicos, clima e outros elementos. O marketing é maneira de planificar todos os momentos de um produto, desde a criação até ele ser adquirido pelo consumidor. Pode ser um produto físico e ou um serviço.
Marketing Interativo
É o que interage com o consumidor. O fabricante se preocupa com o consumidor como pessoa, ele não é só um numero a mais. Seria uma pesquisa qualitativa e não quantitativa, a opinião do consumidor faz parte da pesquisa. O cliente permite a personalização e customização dos produtos e serviços

Marketing Direto
É aquele que o vendedor ou uma pessoa especializada vai direto no consumidor. Um trabalho direto com o comprador . O comprador ajuda a divulgar o produto também.

Quais são os 4 Pês?
Os quatros pés são fatores de microambientes que podem ser controlados e com se satisfaz e se surpreende os clientes que são:
Produto, Preço, Promoção e Praça
Produto: que são os serviços mais os produto que será criado
Preço: Definido pelo mercado, que pode ser influenciado por vários fatores como o valor do gasto para a produção e também como o benéfico que irá trazer. Às vezes o valor pago pode estar relacionado ao emocional
Promoção: é comunicar, informar e persuadir o cliente sobre o produto novo. Divulgar de várias maneiras o produto, usando propaganda e publicidade.
Ponto de distribuição: saber como será o sistema de distribuição, saber onde pode ser vendido, escolher o tipo de local, se será vendido para todos ou para algum segmento da sociedade.

O que é segmentação e quais os tipos

É a seleção do público alvo para serviço ou produto por meios de grupos diferentes, com gosto diferente, costume diferente.
A segmentação leva em conta aspectos demográficos, geográficos, psicográficos e comportamentais.
Demográfico – varia com idade, renda, tamanho da família, etc
Geográfico- varia com a região que a pessoa mora
Psicográfico – Valores e estilo de vida
Comportamental- hábitos e comportamentos

O que é diferenciação e quais o tipos?
Característica diferenciada e valorizada pelo consumidor, que são :
Preços e vantagem de custo: empresa cria uma maneira ter um preço mais baixo do que os concorrentes sem poder ser imitada
Atributos e benefícios do produto- produto com características particulares, que não podem ser imitados.
Serviços agregados- serviços complementares que trazem benefícios a mais para o consumidor
Canal de Distribuição- pontos de venda exclusivo de uma marca
Imagem da marca- através da propaganda as empresas passam imagem única para o consumidor

Quais os benefícios que a internet trouxe para o marketing e quais a mudanças?
A velocidade da comunicação e a facilidade de compras a qualquer hora e em qualquer lugar.
Os serviços passaram a ser padronizados por necessidade dos grupos. Cresce o marketing direto, o cliente passa a ter papel ativo, surge o maketing interativo.


Super Menina
O produto é uma revista feminina infanto/juvenil, com tamanho pequeno 21x15cm, com artigos direcionados para essa segmentação. Será um revista com artigos que contam histórias de meninas nessa faixa etária. Irá mostrar tendências de moda , de maquiagem. Irá instruir sobre dúvidas, com profissionais. Fará também fofocas de pessoas famosas.
A revista será voltada para um público B/C. É uma revista para adolescentes, só comprarão com o dinheiro dos pais, com um preço de R$2,00.
A propaganda será feita com cartaz nas bancas, com propaganda em outras revistas para adolescentes, na internet em sites condizente com essa idade, de boca a boca
O produto será vendido em banca de jornal em todo Brasil.
A revista será feita com papel reciclado, logo terá um custo bem baixo. Ela irá ser lançada toda semana e trará uma sessão especializada em horóscopo normal, horóscopo chinês. Terá na capa uma menina com roupa de super homem, com a capa rosa.

Existe design sem conceito

EXISTE DESIGN SEM CONCEITO

Bom, um design cria alguma coisa pré-definida. Cria uma forma de se comunicar visualmente através de um conceito, de umas idéias, através de técnicas formais, o que eu não concordo plenamente.

A arte geralmente é entendida como a atividade humana ligada a manifestações de ordem estética, feita por artistas a partir de percepção, emoção e idéias, com o objetivo de estimular essas instâncias de consciência em um ou mais espectadores.

Logo, design cria uma coisa já estipulada, claro que se pode inovar um pouco, mas, sempre dentro de um parâmetro. Não se tem uma liberdade total para se criar o que se quer, o que o difere de arte, já que na arte se tem liberdade total.

Eu não concordo muito com a exigência de técnicas formais na definição acima. Eu acho que o design é feito para atingir o público alvo, ele tem esse objetivo. Então , devemos lembrar que dependendo do lugar geográfico, a formalidade não faz parte da cultura, nem a alfabetização. Uma criação com erro de ortografia consegue passar a mesma mensagem que um design corretamente escrito. Algumas criações não têm técnicas formais mas são formadas com idéias pré-definidas, com algum objetivo para ser atingido, e, mesmo que estejam fora da formalidade, conseguem passar a mensagem, como uma placa com erros de português. Mesmo porque, o público alvo, na sua maioria, não saberia dizer se está certo ou errado, ele entende a mensagem.Linguisticamente, ele passa a informação que desejava de maneira fácil, apesar de ser uma criação sem uma estética e sem formalidade .

Então, na minha opinião, um design sempre terá um conceito, um briefing, e tem que passar isso, de uma maneira ou de outra, com o objetivo de que a mensagem seja capitada pelo leitor.

Análise de Site

ANÁLISE DE SITES


SITE RUIM


WWW.LOPEZCALCADOS.COM.BR

O site não tem uma página de introdução, ele já entra direto em no tópico empresa.
O logo até que é contrastante, chama a atenção, mas perdeu o peso com a cor do fundo do site. A cor do fundo é muito forte, faz com que se torne cansativa.
Ele não usa o principio da proximidade, não divide sapato masculino do feminino e de criança, por exemplo. Coloca tudo embolado.
O texto que tem nele é muito morto, não tem um contraste, é mal alinhado na página, deixando um espaço enorme em branco.
O tipo de letra do rodapé é horrivel, além de ser pequena, ela quase que apaga com o fundo que foi colocado.
Ele não mostra as formas de pagamento.
Demora muito para carregar, as fotos são muito pesadas
Ele não alinha o tópico da pagina com as mercadorias.


SITE BOM
WWW.SEPHA.COM.BR

Ele mantém uma cores suaves, que não cansa o usuário.
A cor do logo é repetida em alguns pontos, princípio da repetição.
É usada uma cor para definir as ofertas, outra para os lançamentos. O contraste ajuda o leitor se organizar, entender onde ele está.
O uso dos logos das marcas, usando diferentes fontes, faz com que o índice dos produtos fique bem destacado, e faz com que o principio da proximidade seja usado. Os produtos ficam separado s pela marca, o que torna fácil a visualização do que se quer
Dentro das marcas vemos que há uma separação de produtos masculino, feminino, facial, destacando os títulos e colocando as opções embaixo, princípio da proximidade.
O site é rápido, as páginas carregam rapidinho
As figuras coloridas dão um contraste que chamam a atenção do leitor. As cores suaves faz o site ficar bonito.
Naõ tem muito alinhamento entre os títulos e o restante da página.
As letras, como um todo, mantém o mesmo padrão.

CORES

Expressionismo

Denominam-se genericamente expressionistas os vários movimentos de vanguarda do fim do século XIX e início do século XX que estavam mais interessados na interiorização da criação artística do que em sua exteriorização, projetando na obra de arte uma reflexão individual e subjetiva. O Expressionismo não se confunde com o Realismo por não estar interessado na idealização da realidade, mas em sua apreensão pelo sujeito. Guarda, porém, com o movimento realista, semelhanças, como uma certa visão anti-"Romantismo" do mundo.
Sob o rótulo expressionista estão movimentos e escolas como o grupo Die Brücke (do alemão: A ponte), as últimas Secessões vienenses e de uma certa forma o fauvismo. A arquitetura produzida por Mendelsohn também é chamada de expressionista.
Em uma acepção mais ampla, a palavra se refere a qualquer manifestação subjetiva da criação humana
O Expressionismo surge de um desdobramento do pós-impressionismo, recebendo influências de uma série de artistas pertencentes a este período, como o holandês Van Gogh e o norueguês Edvard Munch. Encontra ligações também com certas manifestações do art noveau e do simbolismo.
Considerando os desdobramentos do Impressionismo, os principais precursores do movimento foram Vincent van Gogh, Edvard Munch e Paul Klee, tal a dramaticidade de suas obras, a importância (e, em certo sentido, a independência) da cor. Ambas as obras propõem uma ruptura formal e ideológica com a Academia e com o Impressionismo. O simbolismo como um todo também influenciou os movimentos expressionistas, em uma outra esfera, devido à importância dada à mensagem oculta na obra.
A introdução da pintura expressionista no Brasil foi obra de Lasar Segall, pintor da dor e sofrimento humanos, que apresentou seus quadros em duas exposições realizadas em São Paulo e Campinas no ano de 1913. Os críticos não entenderam aquele novo estilo. O povo menos ainda. Mas não surgiram críticas porque essas duas mostras contavam com o aval do poderoso político e incentivador das artes, o senador Freitas Vale a quem ninguém ousava contrariar. Na realidade coube a Anita Malfatti, que conhecera o expressionismo nas suas viagens de estudo à Alemanha e Estados Unidos, despertar para o público essa novidade na expressão artística quando, em 1917, organizou em São Paulo sua segunda exposição individual. Recebidos inicialmente pela crítica com discreta desconfiança, aqueles quadros de forte colorido e totalmente diferentes da pintura acadêmica, transformaram-se num estopim de acirradas discussões e controvérsias quando surgiu na imprensa uma crônica de Monteiro Lobato intitulada A propósito da exposição Malfatti. Nela o escritor de Taubaté comparava a pintura de Anita à dos loucos ou mistificadores. Foi bastante cruel em relação à jovem pintora, mas sem querer provocou a reação de jovens intelectuais em defesa de Anita e o nascimento do movimento modernista no Brasil. Outros pintores apresentaram telas expressionistas como, por exemplo, Paulo Rossi Osir que também havia feito parte de sua formação artística na Alemanha. Pós-expressionista de grandes méritos é Juarez Machado, pintor catarinense que hoje vive e trabalha em Paris.

Características
Como o interesse do movimento é projectar uma reflexão subjectiva, é comum o retrato de seres humanos solitários e sofredores, onde a intenção é de captar estados mentais, que podem ser vistos em vários quadros de personagens deformadas. Deforma-se a figura, para ressaltar o sentimento.
É a arte do instinto, trata-se de uma pintura dramática, subjectiva, “expressando” sentimentos humanos. Utilizando cores irreais, dá forma plástica ao amor, ao ciúme, ao medo, à solidão e à miséria humana.
Caracteristicas das pinturas
Grandes manchas de cor intensas e contrastantes, aplicadas livremente sem respeito pelo real;
Temas pesados com fortes preocupações psicológicas (angústia, sofrimento, etc.);
Desenho simplificado;
Distorção intencional das imagens com o objectivo de obter expressividade;
Predominância dos valores emocionais sobre os intelectuais

Bom, são quadros bem coloridos, com pinceladas fortes.
Bem bonitos os quadros

Vicente Van Gogh

Van Gogh é considerado um dos principais representantes da pintura mundial. Nasceu na Holanda, no dia 30 de março de 1853. Teve uma irmã e um irmão chamado Theo. Com este irmão, estabeleceu uma forte relação de amizade. Através das cartas que trocou com com o irmão, os pesquisadores conseguiram resgatar muitos aspectos da vida e do trabalho do pintor.

Começou a atuar profissionalmente ainda jovem, por volta dos 15 anos de idade. Trabalhou para um comerciante de arte da cidade de Haia. Com quase vinte anos, foi morar em Londres e depois em Paris, graças ao reconhecimento que teve. Porém, o interesse pelos assuntos religiosos acabou desviando sua atenção e resolveu estudar Teologia, na cidade de Amsterdã. Mesmo sem terminar o curso, passou a atuar como pastor na Bélgica, por apenas seis meses. Impressionado com a vida e o trabalho dos pobres mineiros da cidade, elaborou vários desenhos à lápis.
Resolveu retornar para a cidade de Haia, em 1880, e passou a dedicar um tempo maior à pintura. Após receber uma significativa influência da Escola de Haia, começou a elaborar uma série de trabalhos, utilizando técnicas de jogos de luzes. Neste período, suas telas retratavam a vida cotidiana dos camponeses e os trabalhadores na zona rural da Holanda.O ano de 1886, foi de extrema importância em sua carreira. Foi morar em Paris, com seu irmão. Conheceu, na nova cidade, importantes pintores da época como, por exemplo, Emile Bernard, Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin e Edgar Degas, representantes do impressionismo. Recebeu uma grande influência destes mestres do impressionismo, como podemos perceber em várias de suas telas
Dois anos após ter chegado à França, parte para a cidade de Arles, ao sul do país. Uma região rica em paisagens rurais, com um cenário bucólico. Foi neste contexto que pintou várias obras com girassóis. Em Arles, fez único quadro que conseguiu vender durante toda sua vida : A Vinha Encarnada.
Convidou Gauguin para morar com ele no sul da França. Este foi o único que aceitou sua idéia de fundar um centro artístico naquela região. No início, a relação entre os dois era tranqüila, porém com o tempo, os desentendimentos foram aumentando e, quando Gauguin retornou para Paris, Vincent entrou em depressão. Em várias ocasiões teve ataques de violência e seu comportamento ficou muito agressivo. Foi neste período que chegou a cortar sua orelha.
Seu estado psicológico chegou a refletir em suas obras. Deixou a técnica do pontilhado e passou a pintar com rápidas e pequenas pinceladas. No ano de 1889, sua doença ficou mais grave e teve que ser internado numa clínica psiquiátrica. Nesta clínica, dentro de um mosteiro, havia um belo jardim que passou a ser sua fonte de inspiração. As pinceladas foram deixadas de lado e as curvas em espiral começaram a aparecer em suas telas
No mês de maio, deixou a clínica e voltou a morar em Paris, próximo de seu irmão e do doutor Paul Gachet, que iria lhe tratar. Este doutor foi retratado num de seus trabalhos: Retrato do Doutor Gachet. Porém a situação depressiva não regrediu. No dia 27 de julho de 1890, atirou em seu próprio peito. Foi levado para um hospital, mas não resistiu, morrendo três dias depois.
Principais obras de Van Gogh :
- Os comedores de batatas (1885)- A italiana- A vinha encarnada- A casa amarela (1888)- Auto-retratos - Retrato do Dr. Gachet- Girassóis- Vista de Arles com Lírios- Noite Estrelada- O velho moinho (1888)- Oliveiras (1889)

Os quadros são bem coloridos, com traços fortes, um tipo de pintura interessante

Nascido em São Paulo, Morandini é formado em Comunicação Social além de ter estudado Design Gráfico e Ilustração.

Em 1985 abriu seu estúdio, onde desenha logotipos, objetos, faz ilustrações, desenvolve programas de identidade visual, pinta murais e painéis. Desde então, vem criando novas linguagens para que empresas, produtos, serviços e pessoas ganhem destaque nesse mundo de signos, símbolos e imagens cada vez mais competitivo.Seus desenhos, artes e ilustrações têm sido usados em revistas, embalagens, publicidade, peças gráficas, logotipos, arquitetura, capas de CD, livros, vídeos e na Internet. Faz parte do seleto grupo de artistas convidados pela Cow Parade, o maior evento de arte urbana do mundo, onde criou a Muuuwatch, trabalho patrocinado pela Swatch.
Seu trabalho é caracterizado por imagens alegres, de aparente simplicidade, mas que dizem muito além daquilo que inicialmente conseguimos ver. Mensagens e sensações variadas que constituem uma nova gra

mática visual, marcada pela força das cores e composições inusitadas.
Morandini cria mundos onde há muito prazer em se deixar levar

Obras bem coloridas, engraçadas.

Movimento Renascentista

Renascimento ou Renascença são os termos usados para identificar o período da História da Europa aproximadamente entre fins do século XIII e meados do século XVII [1][2], quando diversas transformações em uma multiplicidade de áreas da vida humana assinalam o final da Idade Média e o início da Idade Moderna. Apesar destas transformações serem bem evidentes na cultura, sociedade, economia, política e religião, caracterizando a transição do feudalismo para o capitalismo e significando uma ruptura com as estruturas medievais, o termo é mais comumente empregado para descrever seus efeitos nas artes, na filosofia e nas ciências [3].
Chamou-se "Renascimento" em virtude da redescoberta e revalorização das referências culturais da antigüidade clássica, que nortearam as mudanças deste período em direção a um ideal humanista e naturalista. O termo foi registrado pela primeira vez por Giorgio Vasari já no século XVI, mas a noção de Renascimento como hoje o entendemos surgiu a partir da publicação do livro de Jacob Burckhardt A cultura do Renascimento na Itália (1867), onde ele definia o período como uma época de "descoberta do mundo e do homem" [4]. Apesar do grande prestígio que o Renascimento ainda guarda entre os críticos e o público, historiadores modernos têm começado a questionar se os tão divulgados avanços merecem ser tomados desta forma.
O Renascimento cultural manifestou-se primeiro na região italiana da Toscana, tendo como principais centros as cidades de Florença e Siena, de onde se difundiu para o resto da Itália e depois para praticamente todos os países da Europa Ocidental. A Itália permaneceu sempre como o local onde o movimento apresentou maior expressão, porém manifestações renascentistas de grande importância também ocorreram na Inglaterra, Alemanha, Países Baixos e, menos intensamente, em Portugal e Espanha, e em suas colônias americanas.

Nota: Esta página é sobre o Renascimento cultural do início da Idade Moderna. Se procura outros significados da mesma expressão, consulte Renascimento (desambiguação).

O homem vitruviano de Leonardo da Vinci sintetiza o ideário renascentista: humanista e clássico
Renascimento ou Renascença são os termos usados para identificar o período da História da Europa aproximadamente entre fins do século XIII e meados do século XVII [1][2], quando diversas transformações em uma multiplicidade de áreas da vida humana assinalam o final da Idade Média e o início da Idade Moderna. Apesar destas transformações serem bem evidentes na cultura, sociedade, economia, política e religião, caracterizando a transição do feudalismo para o capitalismo e significando uma ruptura com as estruturas medievais, o termo é mais comumente empregado para descrever seus efeitos nas artes, na filosofia e nas ciências [3].
Chamou-se "Renascimento" em virtude da redescoberta e revalorização das referências culturais da antigüidade clássica, que nortearam as mudanças deste período em direção a um ideal humanista e naturalista. O termo foi registrado pela primeira vez por Giorgio Vasari já no século XVI, mas a noção de Renascimento como hoje o entendemos surgiu a partir da publicação do livro de Jacob Burckhardt A cultura do Renascimento na Itália (1867), onde ele definia o período como uma época de "descoberta do mundo e do homem" [4]. Apesar do grande prestígio que o Renascimento ainda guarda entre os críticos e o público, historiadores modernos têm começado a questionar se os tão divulgados avanços merecem ser tomados desta forma.
O Renascimento cultural manifestou-se primeiro na região italiana da Toscana, tendo como principais centros as cidades de Florença e Siena, de onde se difundiu para o resto da Itália e depois para praticamente todos os países da Europa Ocidental. A Itália permaneceu sempre como o local onde o movimento apresentou maior expressão, porém manifestações renascentistas de grande importância também ocorreram na Inglaterra, Alemanha, Países Baixos e, menos intensamente, em Portugal e Espanha, e em suas colônias americanas.

O movimento interessante para a época, voltado para o homem, com obras de artes muito bonitas.

Auguste Rodin (Paris, 12 de novembro de 1840 — Meudon, 17 de novembro de 1917) foi um escultor francês.
Nascido François-Auguste-René Rodin, as primeiras esculturas de Rodin foram feitas na cozinha de sua mãe, com massa que ela usava para fazer pão. Aos 14 anos, aquele que seria um dos escultores mais geniais da história da arte, já tinha aulas numa pequena academia. Em pouco tempo era aceito na Escola de Artes Decorativas, sob a orientação de Boisbaudran e de Barye. Ingressou depois na Academia de Belas-Artes, onde conheceu os escultores Carpeaux e Dalou. Trabalhou inicialmente como ornamentista, modelador, prático e cinzelador.
A exemplo do que tantas vezes aconteceu com os grandes artistas, a primeira obra de Rodin, O Homem de Nariz Quebrado (1864), não foi aceita no Salon de Paris. A justificativa do júri foi que a obra era um esboço, uma coisa inacabada. Paradoxalmente, toda a criação do escultor se basearia no conceito de "non finito". No ano de 1875, Rodin conheceu Meunier e realizou uma viagem à Itália, de importância fundamental para sua futura estatuária. Lá se interessou principalmente pela obra de Michelangelo, mais precisamente pela escultura O Prisioneiro, que o mestre deixou inacabada, influência esta que o libertou do academicismo. Na sua volta, o escultor visitou e estudou as catedrais góticas. Em pouco tempo criou seu famoso São João Batista Pregando (1878).
Na contemplação de fragmentos de esculturas clássicas, Rodin compreendeu até que ponto uma parte da obra era capaz de representar o todo dela. Assim, começou fazendo obras cerceadas, por assim dizer, algo que ninguém jamais havia tentado. Exemplo disso são O Homem que Caminha e Torso. No entanto, esses fragmentos de obras não eram produto de um capricho artístico. Na obra A Mão de Deus, há uma ambivalência de significados: a mão divina é na realidade a de um escultor em plena atividade. E foi exatamente o que Rodin tentou plasmar ao longo de toda a sua obra: o momento da criação. É por esse motivo que ele pode ser considerado um verdadeiro impressionista.
Sobre os Burgueses de Calais nos jardins da torre de Victoria, Londres, não foram permitidas sob a lei francesa mais de doze cópias desta obra após a morte de Rodin . A cópia de Londres, comprada pelo governo britânico em 1911, é uma delas. Rodin duplicava frequentemente as suas estátuas. No caso dos Burgueses de Calais duas das cabeças do grupo escultórico são idênticas e um terceira ligeiramente alterada. Algumas das mãos são também usadas duas vezes.
Suas obras mais célebres, O Beijo, que faz parte de uma série de esculturas realizadas para a Porta do Inferno, do Museu de Artes Decorativas, O Pensador, da mesma série, e o retrato de Balzac confirmam isso. Tem hoje um museu em Paris dedicado as suas obras e vida (o Museu Rodin), situado no Hôtel Biron, ao lado do Hôtel des Invalides, túmulo de Napoleão.
Rodin teve uma assistente de nome Camille Claudel que também foi escultora e sua amante. Os seus trabalhos são muitas vezes confundidos como de Rodin conjecturando-se este facto.
Rodin conquistou fama em vida, e suas obras chegaram a ser as mais apreciadas no mercado de arte europeu e americano. Hoje em dia encontram-se nos museus mais importantes do mundo.

Tipologia

Bauhaus

1919 - 1933, Alemanha
A Bauhaus foi uma das mais influentes escolas de design do mundo. Sua forte inspiração modernista tentou unir de forma definitiva a arte com a indústria.
Fundada a partir de um manifesto de Walter Gropius, em 12 de abril de 1919, a Bauhaus tem suas origens na fusão entre a Academia de Artes e a Escola de Artes e Ofícios da Alemanha. Impulsionados pelo novo quadro econômico enfrentado pelo país no pós-guerra, seus fundadores buscavam o fim da separação entre artistas e artesãos.
Seu pioneirismo em estabelecer um novo conceito pedagógico - que defendia a modernização radical da vida em bases racionalistas - foi revolucionário na época.
Entre seus docentes, estavam os principais artistas do período, como Wassily Kandinsky, Paul Klee, Johannes Itten e László Moholy-Nagy, além de grandes nomes da arquitetura, como Walter Gropius (principal idealizador) e Ludwig Mies van der Rohe.
Em seus quatorze anos de existência, a Escola de Bauhaus passou por três etapas diferentes: a fase expressionista (1919 - 1927) em Weimar, sob a direção de Walter Gropius, a fase do formalismo construtivista (1927 - 1929) com Hannes Meyer em Dessau e, finalmente, a fase do racionalismo radical com ênfase na produção arquitetônica (1929 - 1933), sob a direção de Mies van der Rohe, parte em Dessau e parte em Berlim.
Encerrando suas atividades em 1933, em decorrência de mudanças sociopolíticas na Alemanha, a Bauhaus ainda segue orientando o pensamento das novas gerações de designers, em várias partes do mundo. Professores da Bauhaus foram acolhidos principalmente em instituições dos Estados Unidos, como Gropius e Breuer, que lecionam arquitetura em Harvard, e Mies van der Rohe, que dá aulas em Chicago. Em 1937, Lászlo Moholy-Nagy fundou a New Bauhaus, também em Chicago.
Sua influência funcionalista chegou ao Brasil principalmente através de seu ex-aluno Max Bill, primeiro diretor da Escola de Ulm, uma das principais referências dos pioneiros no design brasileiro.(KF)

Wassily Kandinsky

Nascido em Moscou, passou grande parte da infância em Odessa. De volta à capital russa, estudou Direito e Economia na Universidade de Moscou, chegando a diplomar-se em Direito aos 26 anos, mas desistiu dessa carreira.

[editar] Os primeiros anos em Munique
Casou-se em 1892 com a sua prima Anja Tchimikian, que acompanhou Kandinsky em 1896 quando este se mudou para Munique, iniciando os seus estudos em pintura na escola de Anton Ažbè. O estilo da escola de Ažbè desiludiu Kandinsky, que preferia pintar paisagens coloridas ao ar livre em vez de modelos "malcheirosos, apáticos, inexpressivos, geralmente destituídos de carácter". [1]
Após dois anos, Kandinsky tenta inscrever-se, sem sucesso, num curso ministrado por Franz von Stuck. Um ano depois Kandinsky ingressou finalmente no curso, que frequentou até 1900. Em Maio de 1901, Kandinsky co-fundou a sociedade artística Phalanx e foi professor na escola fundada pouco tempo depois pela sociedade. Uma das suas alunas foi Gabriele Münter, que se tornou companheira de Kandinsky até 1914. Kandinsky separou-se de Anja Tchimikian em 1903.

Já na década de 1910 Kandinsky desenvolve seus primeiros estudos não figurativos, fazendo com que seja considerado o primeiro pintor ocidental a produzir uma tela abstrata. Algumas das suas obras desta época, como "Murnau - Jardim I" (1910) e "Grüngasse em Murnau" (1909) mostram a influência dos Verões que Kandinsky passava em Murnau nessa época, notando-se um crescente abstraccionismo nas suas paisagens. Outra influência nas suas pinturas foi a música do compositor Arnold Schönberg, com quem Kandinsky manteve correspondência entre 1911 e 1914.

[editar] O período da Primeira Guerra Mundial
Com o eclodir da Primeira Guerra Mundial, Kandisnky é forçado a abandonar a Alemanha, partindo para a Suíça acompanhado por Gabriele Münter em 3 de Agosto de 1914, esperando um fim rápido do conflito. Quando este não se concretizou, Kandinsky voltou à Rússia, separando-se de Münter, a 16 de Novembro do mesmo ano. Aproveitando uma exposição em Estocolmo em 1916, Kandinsky permanece na Suécia, onde conhece a sua terceira companheira, a russa Nina de Andreewsky, até ao advento da Revolução Russa. Volta então à Rússia interessado nos rumos do país, mas desentende-se com as teorias da arte oficiais e retorna à Alemanha em 1921.

[editar] A Bauhaus e últimos anos
Em constante contato com os artistas da vanguarda, passa a lecionar na Bauhaus até 1933 quando a escola é fechada pelo governo nazista. Muda-se para Paris e aí viveu até o fim de sua vida. Faleceu em Neuilly-sur-Seine em 1944.
Desenvolveu a arte abstrata até o fim de sua vida. Junto a Piet Mondrian e Kasimir Malevich, Wassily Kandinsky faz parte do "trio sagrado" da abstração, sendo o mais famoso.

[editar] Períodos artísticos
A criação de Kandinsky de trabalhos puramente abstractos seguiu um longo período de intenso desenvolvimento e amadurecimento do pensamento teórico baseado nas suas experiências pessoais artísticas. Chamou a esta devoção como beleza interior, fervor de espírito e uma necessidade funda de desejo espiritual, que foi o aspecto principal da sua arte.
Kandinsky aprendeu através de diversos recursos durante a sua juventude em Moscovo. Mas mais tarde na sua vida ele seria lembrado como sendo fascinado e raramente estimulado pela cor como uma criança. O fascínio pelo simbolismo e psicologia da cor continuaram durante o seu crescimento, apesar de parecer nunca ter estudado arte. Em “Looks on the Past” ele relata que as casas e as igrejas eram decoradas com cores tão brilhantes que, uma vez lá dentro, teve a impressão de se estar a mover dentro de uma tela pintada. A experiência e o seu estudo sobre a arte do povo na região, em particular o uso de cores brilhantes sobre fundo negro, refletiu-se nos seus trabalhos mais recentes. Anos mais tarde, ele relacionou o acto de pintar para criar música na maneira que mais tarde viesse a ser mais reconhecido e escreveu “As cores são a chave, os olhos o machado, a alma é o piano com as cordas”. Ele foi similarmente influenciado durante este período pela ópera de Richard Wagner Lohengrin com a qual ele sentiu que quebrou os limites da música e da melodia além do lirismo tradicional.
Kandinsky foi igualmente espiritualmente influenciado por Helena Petrovna Blavatsky (1831- 1891), o mais importante exponente da Teosofia nos tempos modernos. A teoria teosófica solicitou que a criação é uma proporção geométrica, começando num único ponto. O aspecto criativo das formas é expressado por uma série descendente de círculos, triângulos e quadrados. Os livros de Kandinsky ecoam estes princípios básicos teosóficos.

[editar] O Cavaleiro Azul
As pinturas de Kandinsky do período em que fez parte do grupo Der Blaue Reiter ("O cavaleiro Azul") (1911-1914), foram compostas por massas coloridas largas e bastante expressivas, avaliadas independentemente a partir de formas e linhas que já não serviam para delimitá-las. Estas seriam sobrepostas numa forma bastante livre para formar pinturas duma força extraordinária.
A influência da música foi bastante importante no nascimento da arte abstracta, como sendo abstracta por natureza, este não tenta representar o mundo exterior mas antes para expressar, numa maneira imediata, os sentimentos interiores da alma humana. Kandinsky às vezes usava termos musicais para designar o seu trabalho; ele chamou a muitas das suas pinturas espontâneas “Improvisações”, e “Composições” a outras muito mais elaboradas e trabalhadas em comprimento, um termo que ressoou nele como um orador.
Além da pintura Kandinsky desenvolveu a sua opinião como um teórico da arte. De facto, a influência de Kandinsky na história da arte do ocidente talvez resulte mais dos seus trabalhos teóricos do que propriamente das suas pinturas.
Ao mesmo tempo que escrevia “Do espiritual na Arte”, Kandinsky escreveu o Almanaque do Cavaleiro Azul, que serviram tanto como defesa e promoção da arte abstracta, assim como uma prova de que todas as formas de arte eram igualmente capazes de alcançar o nível da espiritualidade. Ele acreditava que a cor podia ser usada numa pintura como uma coisa autónoma e distanciada de uma discrição visual de um objecto ou de uma qualquer forma.

[editar] O período de grande síntese (1934-1944)
Em Paris, Kandinsky estava bastante isolado, uma vez que a pintura abstracta - particularmente a pintura abstracta geométrica – não foi reconhecida, sendo as os movimentos mais apreciados o Impressionismo e o Cubismo. Kandinsky viveu num pequeno apartamento e criou o seu trabalho num estúdio construído na sua sala de estar. Formas biomórficas com flexibilidade e contornos não geométricos apareceram nas suas pinturas; formas que sugerem organismos externamente microscópicos mas que expressam sempre a vida interior do artista. Ele usou a cor puras nas suas composições que evocavam a arte popular de Slavonic e que era similar a preciosos trabalhos de marca-de-água. Nas suas obras, ocasionalmente misturava também areia para dar a textura de granulado aos quadros.
Este período correspondeu, de facto, a uma vasta síntese do seu trabalho anterior, no quando ele usa todos os elementos, e até os enriquece. Em 1936 e 1939 ele pinta as suas duas ultimas grandes composições; Lonas particularmente elaboradas e lentamente rasgadas que ele não produziu por muitos anos. Composição IX é uma pintura com umas diagonais poderosas de alto contraste e cuja forma central da a impressão de um embrião humano no ventre. Os pequenos quadrados de cores e as faixas coloridas parecem projectar contra o fundo preto da Composição X, como fragmentos de estrelas ou filamentos, enquanto hieróglifos com tons de pastel obrem o grande plano marrom, que parece flutuar no canto esquerdo superior da lona.
No trabalho de Kandinsky, algumas características são obvias, enquanto certos toques são mais discretos e velados; isto servia para dizer que eles se revelavam só progressivamente àqueles que fazem um esforço para aprofundar a sua conexão com o seu trabalho. Pretendeu que as suas formas fossem subtilmente harmonizadas e colocadas, para ressoar com a própria alma